1. Lunes. Un matrimonio singular.
Giovanni y Jeane Arnolfini son los protagonistas de esta obra cumbre de Jean van Eyck. «El matrimonio Arnolfini» (1434) National Gallery Londres.
Es uno de los mayores artistas del Renacimiento nórdico, esta retrato burgués es un documento social que merece la pena contemplar en varias ocasiones, atendiendo a su lenguaje oculto.
En plano corto: En el juego #CitaFaro veíamos las manos de la pareja, no están entrelazadas sino que la de Jeane reposa sobre la de su esposo Giovanni, esto alude al matrimonio como institución que da soporte y sosiego a la persona individual y también dentro de la sociedad. La mirada seria de Giovanni, tocado con gran sombrero, contrasta con el dulce rostro de Jeane, tocada con un delicado velo bañado de luz. La fidelidad y el sentido hogareño están representados en el perrito y en los zuecos, pintados con extremo detalle. La lámpara con una sola vela se ha atribuido al ojo de Dios que mira a los hombres. La talla de Santa Margarita del cabezal de la cama alude a la maternidad, ya que Jeane parece estar esperando un hijo. ¿Sabías que van Eyck fue pionero en crear transparencias en capas usando óleo en lugar de temple? Fue un genio al representar la luz sobre los objetos. Pero de todas las audacias del artista me quedo con el misterio del espejo. Tanto le gustaban a Van Eyck los acertijos que reflejó en el 4 figuras; 2 son los Arnolfini y una el propio pintor..¿Quién es la cuarta?
Define a van Eyck el historiador Wendy Beckett: «La luz y sus efectos ejecutadas con virtuosismo técnico le permitieron crear un tipo de realidad brillante y lúcida»
2. Martes. ¿Quién luce este adornado vestido?
Es la infanta Margarita, hija de Felipe IV. La que junto a su familia y damas de compañía nos saluda desde «Las Meninas». 1656 (Museo del Prado). La obra transmite una asombrosa sensación de realidad, es la pincelada suelta y factura abocetada lo que nos trae un instante vivo que Velázquez capta con un fogonazo de genialidad que ha deslumbrado a generaciones de artistas posteriores y tan distintos entre ellos como Rubens o Bacon.
En plano corto: En el juego #CitaFaro mostramos la flor del vestido de la niña a la que una de sus damas ofrece agua. tanto este adorno del vestido como los del cabello son apenas remolinos de color y luz en plano corto pero tomando perspectiva componen un atuendo principesco brillante. Otros detalles de esta obra irresoluta en interpretaciones y misterios es cómo Velázquez se retrata a si mismo, solemne, como un caballero, pues luchó para que la pintura fuese considerada una actividad artística e intelectual y no un mero oficio. Esta obra es el «non plus ultra» de su alegato.
Dijo Eugenio D’Ors: «Nuestro artista pinta el tiempo mismo, el instante. Eso es lo que eterniza y ésa es, según él, la misión de la pintura: Dar eternidad»
3. Miércoles. ¡Arden los colores!
Y casi París entero. Hablamos de Henri Matisse y de su «naturaleza muerta sobre mesa azul» (1947) Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen en Düsselforf (Alemania) ¡Cuánto irritó a Picasso!
En plano corto: En el juego #CitaFaro mostramos el medallón de arcilla, que es la primera escultura de Matisse y retrata a Camille Joblaud y con la que tuvo una hija, aunque luego Matisse se casó con otra mujer. Pintó la obra ya muy mayor pero desde joven estaba fascinado por retratar el alma de los espacio interiores. Aunque los colores son chillones, la obra transmite cierto orden, ya que el artista buscaba equilibrio de pureza y serenidad. Fue esta búsqueda de lo primitivo de la pintura a través del color lo que encendió a Picasso que tras contemplar las obras de Matisse no volvió a ser el mismo. ¿Sin Matisse no habría Picasso? Picasso no siguió la estela de Matisse pero su obra le sirvió como mecha para encender su propia hoguera, para encontrar su lenguaje pictórico. A Matisse le encanta que los interiores de asomase a una ventana, este fauvista más que pintar produce una descarga eléctrica. Los puntos de vista recuerdan a Cezánne, son altos, casi imposibles. ¡La mesa se nos cae! también las flores son un elemento fundamental de sus obras, flores en racimo, cascadas de color.
El propio Matisse expresó «Mi elección de color se basa en experiencias sentidas…»
4. Jueves. ¡Adiós al objeto!… hola a las ideas
¿Y ahora qué? Ahora «Ritmo de otoño» (1950) Ahora Jackson Pollock y su lucha emocional.(MET Museum, Nueva York)
En plano corto:La energía de este gran cuadro nos atrapa. ¿Te suena Action Painting? El pincel apenas toca el soporte, la pintura cae por la acción del brazo sobre el lienzo en el suelo. ¿Te suena Drip Painting? no hay pincelada, la pintura cae por goteo, y todo tiene ritmo, Pollock se mueve, rodea el cuadro por sus cuatro lados, baila con él. Se inspiraba en Picasso, en los muralistas mexicanos y de la pintura de los indios navajos. Sí…pintar era un ritual para él. La paleta es restringida y esto lo asimila a una partitura. ¿Es surrealista? efectivamente, podría ser un acto de atomatismo subconsciente . ¿Qué hay de Pollock en su obra? Todo. El cuadro es el pintor y el pintor es el cuadro. Su vida personal fue tragedia corta, pero Pollock es valiente a la hora de crear. Una última curiosidad ¿Dónde empieza y termina este cuadro? No lo sé y dudo si Jackson lo sabía o si tan siquiera le importaba.
Fue Paul Richard quién escribió en el Washintong Post en 1998
«Hay tantas cosas que ver en Jackson Pollock que no puedes apartar la vista. Estas obras vierten pensamientos en tu mente»
5. Viernes. Se pinta un asesinato
En medio de la fase conocida como «El Terror» en plena Revolución Francesa, Jacques Louis David recreó la muerte del héroe popular.»La Muerte de Marat» 1793 Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica)
En plano corto: ¿Parece el homenaje espontáneo de un hombre que llora la muerte de su amigo? lo es, pero además esta obra es propaganda encargada a David por La Convención. David Eliminó los detalles suntuosos del baño de Marat (en el que recibía visitas y donde fue asesinado) y lo sustituye por un fondo neutro que agrava la soledad de la muerte. Coloca en primer plano un bodegón de escritura..en la mano Marat lleva la carta de presentación de Corday. Aparece el arma homicida en el cuadro, el cuchillo. Hay sangre, pero sin enfoque visceral, ( el Neoclasicismo no lo permitiría) Marat muere asesinado pero se va con paz, más como un poeta que como un revolucionario. «El amigo del pueblo» se va en silencio, su rostro se dulcifica y la bañera es como una tumba. La iluminación es teatral y el tratamiento es pulido en piel y calidades. Es un asesinato pero equilibrado y elegante.
En palabras de Charles Baudelaire «Esta obra contiene algo tan doloroso como tierno; un alma alza el vuelo..» Gracias a todos, pronto un nuevo reto.
Muy entretenido.Fue necesario recorrer cada curva del camino para llegar hasta aquí Comentario de calendario, pero viene al caso . Muchos besos